Archiv der Kategorie: Sammlungsgut

Gemeinfreie Werke des Künstlers Gustav Jourdan (1884-1950) online

Carlotta Pauly | FSJ-Kultur im Kulturbüro der Stadt Schwäbisch Gmünd

Gustav Jourdan: Kloster Lorch und Remsbahn, 1903, Stadtarchiv Schwäbisch Gmünd, Best. E04 Nr. 1000.

Der bildende Künstler Gustav Jourdan wurde 1884 in Schwäbisch Gmünd geboren. Sein Vater, der Goldschmied Wilhelm Friedrich Jourdan aus Corres bei Ötisheim, heiratete in Gmünd Bertha Karoline geborene Schmid. Gustav Jourdan ist der jüngste Sohn aus dieser Ehe. Da Gustav Jourdans Vater früh verstarb, musste die Mutter mit dem kleinen Bijouteriegeschäft der Familie in der Schreinerstraße 4 für das Auskommen der Familie sorgen. Nachdem Gustav Jourdan die Gmünder Gewerbeschule besucht hatte, studierte er an der Kunstakademie Stuttgart. Dort arbeitete er seit 1911 zunächst als Hilfslehrer und ab 1913 als Leiter. 1923 erhielt er die Professur für die Klasse für Stoffdruck, welche er auch bis zu seiner Pensionierung 1946 innehatte. Aufgrund der Kriegsschäden in Stuttgart zog er 1944 mit seiner Frau nach Hayingen in sein Sommerhäuschen, wo er 1950 verstarb. Im gleichen Jahr wurde er zum Ehrenbürger der Stadt Hayingen ernannt.1

Gustav Jourdan: Hohenrechberg, Wallfahrtskirche mit Silberdisteln und Hagebutten, Stadtarchiv Schwäbisch Gmünd, Best. E04 Nr. 1045.

Im Stadtarchiv Schwäbisch Gmünd ist ein Teil seines künstlerischen Nachlasses im Sammlungsbestand E04 überliefert. Die Werke wurden gesichtet, eingescannt und sind nun ab sofort auf Wikimedia Commons frei zugänglich. Zu den gescannten werken gelangen Sie hier.

Die Digitalisate stehen unter der freien Lizenz CC-BY-SA 3.0 DE und können nachgenutzt werden. Voraussetzung hierfür ist die Nennung des Stadtarchivs Schwäbisch Gmünd als verwahrende Einrichtung sowie der jeweils gültigen Signatur des Originals.

Gustav Jourdan: Entwurf für Feldpostkarte, ca. 1914-1918, Stadtarchiv Schwäbisch Gmünd, Best. E04 Nr. 1141.

Gustav Jourdan: Feldpostkarten, ca. 1914-1918, Stadtarchiv Schwäbisch Gmünd, Best. E04 Nr. 1061.

Zu einzelnen Werken von Gustav Jourdan werden sukzessive Blogartikel von Karlheinz Hegele auf OSTALBum veröffentlicht. Bisher erschienen sind:

  1. Vgl. Kissling, Hermann: Gustav Jourdan (1884-1950), ein vergessener Gmünder Künstler, in: Gmünder Studien, 3 (1989), S. 67-92. Online verfügbar unter: http://archiv.ub.uni-heidelberg.de/artdok/2056/1/Kissling_Gustav_Jourdan_1989.pdf. Letzter Zugriff: 18.03.2021. []

„Der Tag der Taufe der neuen, deutschen Kunst“

Von Karlheinz Hegele | Gmünder Geschichtsverein

So enthusiastisch bewertete der Kunsthistoriker Franz Reber (1834-1919) eine Ausstellung des Deutsch-Dänen Asmus Jacob Carstens (1754-1798) in Rom im Jahr 1795. Für ihn und viele seiner kunstbeflissenen Zeitgenossen hatte mit dieser Ausstellung, die in Rom tatsächlich nur ein paar wenige Künstlerkollegen gesehen hatten, eine neue Ära der Kunst begonnen. Mit ihr sei Johann Joachim Winckelmanns (1717-1768) Forderung, die Kunst im Geist der Antike von ‚edler Einfalt und stiller Größe‘ zu erneuern, endlich verwirklicht worden. Heute ist Carstens fast vergessen, sein Name allerhöchstens noch Spezialisten geläufig. Die Entwicklung der modernen Kunst ab den 1850er-Jahren hatte einen ganz anderen Weg genommen, ihn und seine Kunst auf ein Abstellgleis abgeschoben.

Im Bestand des Gmünder Archivs findet sich ein Kupferstich nach einer Zeichnung Carstens‘, die hier vorgestellt werden soll (StAG, Bestand E 04 Nr. 2320). Nicht so sehr um seines Erinnerns willen, sondern weil wir mit ihm mitten hinein in die großen Kontroversen der Kunst des 19. Jahrhunderts und die Entwicklung der Moderne hineingeführt werden.

Kupferstich von 1829. Stadtarchiv Schwäbisch Gmünd, Best. E04 Nr. 2320.

Asmus Jacob Carstens war 1754 im damals dänischen Schleswig-St. Jürgen geboren. Sein Werdegang stand unter einem unglücklichen Stern. Früh verwaist, versuchte er seinen Weg als Künstler ganz auf sich selbst gestellt zuerst im naheliegenden Kopenhagen. Äußere Armut bei gleichzeitig extremer Überzeugung   von sich und seinen Vorstellungen ließen ihn bald anecken. Ein erster Versuch, in seine Traumstadt Rom zu gelangen, scheiterte am Geld. Über Umwege fand er schließlich nach Berlin, wo er die kunstphilosophischen Schriften Schillers in sich aufsog und Karl Philipp Moritz (1756-1793) kennenlernte, der ihn mit seiner 1785 in Rom entstandenen Schrift  Über die bildende Nachahmung des Schönen in seiner eigenen Vorstellung der Kunst als autonome Welt der Fantasie bestärkte. Schließlich gelang es ihm 1792, schon von der Schwindsucht gezeichnet, endlich nach Rom zu gelangen. Dort fand er rasch Anschluss an die dortige deutsche Künstlerkolonie um den ehem. Karlsschüler Joseph Anton Koch (1768-1839). Seine streng klassizistischen, an der Antike, Michelangelo und Raffael ausgerichteten, nicht der Realität, sondern ganz geistigen Idealen verpflichteten Zeichnungen trafen den Zeitgeist. Als er 1798 mit 44 Jahren an der Tuberkulose starb, stieg sein Ruhm wie ein Komet am Kunsthimmel auf. Goethe bewunderte seine Arbeiten, er wurde das Vorbild für die Nazarener.

Im selben Künstlerkreis verkehrte dann auch der Stecher des Blattes, Ferdinand Ruscheweyh (1785-1846) aus Neustrelitz, als er 1808 nach Rom kam, mitten hinein in die inzwischen zu ihrem rein linearen Zeichenstil gelangten Nazarener um Cornelius, Overbeck und Schadow, die neben der Dresdener Gruppe um C.D. Friedrich die deutsche Frühromantik prägten. In seiner Zeit war Ruscheweyh einer der wichtigsten Kupferstecher in Deutschland. Er blieb bis 1832 in Rom, das Gmünder Blatt stach er 1829, als Carstens noch immer ein großes Vorbild, aber inzwischen längst tot war.

Der Kupferstich zeigt eine ‚Gigantomachie‘, die zugrunde liegende Zeichnung Carstens‘ war 1795, also auf dem Höhepunkt seines Stils, entstanden. Die Giganten wollen ihre in den Tartaros verdammten Brüder, die Titanen,  rächen und versuchen den Olymp zu stürmen und die Götterfamilie des Zeus zu entthronen. Sie reißen den Erdboden auf, so dass vulkanische Feuerbrände  ausbrechen. In immer neuen Wellen branden sie gegen den Olymp an, aus dem sie riesige Steinblöcke herausreißen und damit um sich werfen. Ausgerissene Bäume dienen ihnen als Waffen. Der Gigant Porphyrion hat auf dem Gipfel des Olymps schon Hera gepackt, die sich mühsam mit Fußtritten wehrt. Doch Hilfe naht! Im oberen Bildteil sind nun die Götter zum Gegenangriff übergegangen. Von links her fegt Zeus auf dem Viergespann des Helios heran und schleudert seine unfehlbaren Blitze, ihm zur Seite stehen Herakles mit dem Bogen, Dionysos mit dem Thyrsosstab, Palas Athena in voller Rüstung; Artemis und Apoll verschießen ihre Pfeile. Von der rechten Seite stürmen Hermes, Hephaistos, Mars und Poseidon heran, während im Hintergrund Pan und andere nicht so streitbare Götter händeringend das Kampfgeschehen beobachten.  Schon stürzen die oberen Reihen der Giganten über die Klippen hinab, von unten drängen andere nach. In der Bildmitte feuern zwei Anführer die anderen an und weisen die Richtung. In drei Bildebenen vollzieht sich das Geschehen, über diagonale Felsrampen und dunkel schraffierte Schluchten  steigt es in immer hellere Sphären hinauf zum Gipfel.  Carstens hält sich nur bedingt an seine literarische Vorlage, der ‚Theogonie‘ Hesiods. So  sind bei ihm die in der Mythologie als scheußliche Ungeheuer  geschilderten Giganten allesamt äußerlich klassisch schön geformte Männer in allen möglichen Haltungen und Posen.1 Die Einzelkämpfe, die Hesiod der Reihe nach aufzählt, sind bis auf die Ausnahme des Porphyrion nicht zu finden, alle sind einer Gesamtkomposition untergeordnet, in der Carstens die einzelnen Episoden zugunsten  einer kunstvollen Choreographie aufhebt, die nicht dem antiken Text, sondern allein seinem Formwillen folgt. Unschwer ist das kompositorische Vorbild Carstens zu erkennen: Michelangelos Jüngstes Gericht mit seinen stürzenden und aufsteigenden Gestalten. Die ursprüngliche Zeichnung hatte sogar die teilende Gewölbekonsole am oberen Abschluss des Michelangelo-Freskos einbezogen. Einzelne Figuren lassen sich genau bestimmen, so ist die Figur eines heranmarschierenden Giganten unten rechts Michelangelos Adam entlehnt.  Für andere Einzelfiguren lassen sich Vorbilder in Stichen nach Michelangelo und Raffael finden. Auch Ihrer typischen künstlerischen Mittel bedient sich Carstens.

Michelangelos Fresko „Das jüngste Gerichte“ in der Sixtinischen Kapelle. Wikimedia Commons.

Carstens war fast ausschließlich Zeichner und wie seine großen Vorbilder suchte er alles mit der Linie zu erfassen und auszudrücken. Die reinste Form der Linie ist die Umrisslinie, die durch gekonntes An- und Abschwellen auch die Plastizität des Gegenstands ausdrücken kann. Das Hell-Dunkel und die Farbe sind dabei zweitrangig, werden später hinzugefügt. Die Linie ist das direkteste Ausdrucksmittel des Zeichners, den reinen Gedanken, den Formwillen aufs Papier zu bringen. Ein anderer Großer der Zeit, der Franzose Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867), hat es einmal so auf den Punkt gebracht: „Wenn ich ein Schild über meiner Türe anbringen müsste, ich schriebe darauf: Zeichenschule, und ich wäre gewiss, Maler heranzubilden.“ Das wurde im 19. Jahrhundert die Doktrin aller Akademien in Europa. Aus dem Klassizismus wurde der Akademismus. Auch die deutschen Idealisten und sog. Deutschrömer um Anselm Feuerbach (1829-1880) standen noch in der Jahrhundertmitte ganz in diesem Bann der reinen Zeichnung und der damit verbundenen, bedeutungsschweren Themen aus Antike und Renaissance. Feuerbach muss auch Carstens Zeichnung, sicher über Ruscheweyhs Stich, gekannt haben, seine Entwürfe und das ausgeführte Deckenbild für die Aula der Akademie in Wien von 1880 mit dem ‚Titanensturz‘ lassen Gestalten aus der Carstens-Zeichnung wiedererkennen.

Zu diesem Zeitpunkt galt diese Kunst für eine jüngere Generation aber schon als hoffnungslos veraltet. Die Entwicklung hatte diese extrem disziplinierte Gedankenkunst der ‚Raffaelisten‘ ins Abseits geschoben und ihre Antipoden die ‚Rubenisten‘ in den Blickpunkt gerückt. Ihr künstlerisches Allheilmittel war nicht mehr die Linie, sondern die Farbe, also der Fleck, sie beriefen sich auf Tizian, Rubens und Rembrandt, die aus der Farbe und aus dem Arbeitsprozess heraus und nicht nach einer festliegenden Zeichnung gearbeitet hatten. Ihr bewunderter Anführer in der öffentlichen Kunstdiskussion Frankreichs war Eugène Delacroix (1798-1863), der sich mit seinem Kontrahenten Ingres heiße Kritikergefechte lieferte und den Boden für die Entwicklung der Moderne bereitete, die vor allem in Frankreich vorangetrieben wurde. Als dann mit dem neuen Materialismus in der Philosophie sich das ganze Augenmerk weg von den alten Bildungsthemen hin zu den sichtbaren Dingen der Welt verlagerte und der Realist und Materialist Gustave Courbet (1819-1877) seinen Kollegen ins Stammbuch schrieb: „ich halte die Künstlers eines Jahrhunderts für völlig unzuständig, die Angelegenheiten eines vorausgehenden oder nachfolgenden Jahrhunderts darzustellen … Ein abstraktes, nicht sichtbares, nicht wirklich existierendes Objekt gehört nicht zum Gebiet der Malerei.“2, war die ideale Gedankenmalerei eines Carstens oder Feuerbachs passé. Und was war nun mit der Linie als Möglichkeit, den Gegenstand, auch den sichtbaren, in seiner Form zu erfassen? Edouard Manet (1832-1883) versuchte noch als letzter, beide Standpunkte miteinander in Einklang zu bringen. Sein berühmtes Skandalbild „Das Frühstück im Freien“ von 1863 war uneingeschränkt malerisch und zeitgenössisch im Thema, seine Bildform beruhte jedoch noch auf einem Stich nach Raffael. Die Impressionisten mit ihrer radikalen Hinwendung zur sichtbaren Wirklichkeit schafften die Umrisslinie dann schlichtweg ab, als nichtexistent, als Kunstgebilde des Künstlers ohne Entsprechung in der Natur. Der Gegenstand als fest umrissene Form löste sich auf.

Manets „Le Déjeuner sur l’herbe“ von 1863. Wikimedia Commons.

An diesem Widerstreit entzündete sich dann die Entwicklung der Moderne, in der die künstlerischen Mittel der Linie, des Flecks/Fläche und der Farbe auf ihre nun nicht mehr vorrangig darstellenden Zwecke, sondern auf ihre bildinternen Eigengesetzlichkeiten getestet wurden. Dass sich ein Mann wie van Gogh (1853-1890) noch mit dem ganzen ‚Raffaelisten – Rubenisten Streit‘ als zentralen Punkt seiner Suche nach einer neuen Kunst auseinandersetzte, wird in einer seiner Briefe an den Bruder Theo deutlich: „Um gut zu zeichnen, muss man an die Zeichnung direkt mit Farbe herangehen.“ (Sept. 18883). Die einzigen, die dann in der Klassischen Moderne noch einmal auf die reine Linie in der Tradition eines Ingres oder Carstens zurückkamen sind die beiden großen Genies Pablo Picasso (1881-1973) und Henri Matisse (1869-1954) – und dann in gewissem Maße wieder Andy Warhol (1928-1987).

Von ihnen hat sich im Gmünder Archiv bislang leider noch nichts gefunden.

  1. Die heute berühmten Friesplatten des Zeus-Altares von Pergamon in Berlin, die dasselbe Thema haben und sich ziemlich nahe an Hesiod halten, konnte Carstens natürlich noch nicht kennen. Sie lagen damals noch im Schutt auf dem pergamenischen Burgberg, allen Blicken entzogen. []
  2. Zitiert nach: H.-J. Keyenburg (Hg.), Realismus. Formen der Wirklichkeitsdarstellung in der Kunst des 19. u. 20. Jahrhunderts, Hannover, 1978, S. 32. []
  3. Zitiert nach: J. Rewald, Von van Gogh bis Gauguin. Die Geschichte des Nachimpressionismus, Köln, 1967, S. 139. []

Ein Schabbat-Teller im Gmünder Archiv

Von Karlheinz Hegele | Gmünder Geschichtsverein

Bei Sichtungs- und Erschließungsarbeiten fiel dem Autor als ehrenamtlichem Mitarbeiter des Gmünder Archivs ein Porzellanteller (Durchmesser 24 cm) in die Hände, der offenbar bislang, gut verpackt, keinerlei Beachtung, geschweige denn Würdigung erfahren hatte. Auf den ersten Blick macht er auch den Eindruck eines Nippes-Objekts, eine Art Jahresteller, wie er gerade an Weihnachten von den Porzellanmanufakturen weltweit für ein bürgerliches Publikum in Mengen hergestellt wird und dann die Wände oder Vitrinen gutbürgerlicher Wohnzimmer als unnütze Staubfänger ziert, meist von – gelinde gesagt – zweifelhaftem künstlerischem Wert. Wie kam es solches Stück ins Gmünder Archiv? Und was hat er überhaupt mit Gmünd zu tun?

Vorderseite des wiederentdeckten Schabbat-Tellers. Stadtarchiv Schwäbisch Gmünd.

Die Schriftzeichen belehren schon auf den zweiten Blick über die Herkunft und Zweckbestimmung. Ein beiliegendes Gutachten des Landesdenkmalamts von 2000 klärt hilfreich nicht nur darüber auf, wann das gute Stück in den Besitz des Archivs gekommen war, sondern es liefert auch die Übersetzung der hebräischen Schrift: außen „Des Ewigen Gebot ist lauter, erleuchtet die Augen“ (Psalm 19, 9b), innen „Eine gute Woche und ein gutes Jahr“. Dazu zeigt das Bild die Feier eines Schabbatausgangs in einer jüdischen Familie. Damit erweist sich der Teller als sog. Schabbat-Teller, der als Geschenk innerhalb der jüdischen Gemeinde bei Einladungen zum Schabbatmahl und vor allem an Rosch ha-Schana, dem jüdischen Neujahrsfest, beliebt war und auch vor allem in den USA heute noch ist. Die Genreszene des Innenbilds geht auf eine in deutsch-Jüdischen Kreisen sehr bekannte Bildvorlage des Malers Moritz Daniel Oppenheim (1800-1882) zurück, dem ersten jüdischen Maler überhaupt, der an einer deutschen Kunstakademie seine Ausbildung genossen hatte und im 19. Jahrhundert ein sehr erfolgreicher Künstler gewesen war.

Stempel auf der Rückseite des Schabbat-Tellers. Stadtarchiv Schwäbisch Gmünd.

Hergestellt wurde der Teller laut Stempel am Boden von der Firma Bauscher aus Weiden in der Oberpfalz, einer auch heute noch weltweit sehr erfolgreichen Porzellanfirma für die Gastronomie und Hotellerie, für die Firma Richard Mendel in Schwäbisch Gmünd. Er gehörte also zum Warensortiment des Kaufhauses ‚Stern‘ für Glas- und Haushaltswaren, das Richard Mendel und sein Schwager Ludwig Heß seit 1914 auf dem Marktplatz (Nr. 24) betrieben. Beide waren mit ihren Familien Angehörige der jüdischen Gemeinde und der Teller war für den Vertrieb für genau diese Kundschaft bestimmt. Ihr Geschäft ging leider nicht sehr gut, sie mussten es 1931, also noch vor der Machtübernahme durch die Nazis, schließen. Der Teller wird also in den 1920er-Jahren hergestellt worden sein. Den meisten Mitgliedern der beiden Familien gelang die Emigration, Emma und Laura Mendel jedoch, beides Schwestern Richard Mendels, wurden zusammen mit anderen letzten Gmünder Juden 1940 nach Riga deportiert, wo sie umgebracht wurden. Stolpersteine ehren heute noch das Andenken an diese beiden Opfer des Holocaust.

Welchen Wert hat also der Teller für das Archiv? Doch Nippes? Wenn man es rein künstlerisch betrachtet, mag man so urteilen. Kulturgeschichtlich jedoch hat er unbedingt seinen berechtigten Platz im Gmünder Archiv. Erstens als Relikt der durch den Holocaust vernichteten deutsch-jüdischen Kultur in Gmünd und als Erinnerungsstück an die Gmünder Judengemeinde und ihren Alltag, der sonst fast ganz aus unserem Bewusstsein verschwunden ist, und zweitens als Objekt, das exemplarisch für den Willen des deutschen Judentums steht, sich an die deutsch-bürgerliche Gesellschaft auch in der materiellen Alltagskultur zu assimilieren. Ein vergebliches Bemühen mit schrecklichem Ausgang, wie wir leider wissen.

Der Autor bereitet einen ausführlicheren Aufsatz zu diesem Fundstück vor, der zu einem späteren Zeitpunkt publiziert werden soll.

Wer archiviert das Internet?

Wir – im Zusammenspiel mit dem Bibliotheksservice-Zentrum Baden-Württemberg! Oder genauer gesagt: das BSZ spiegelt im Auftrag des Stadtarchivs Schwäbisch Gmünd seit 2014 ausgewählte Websites und macht diese anschließend wiederum direkt online zugänglich. Derartige Spiegelungen werden treffend als Harvesting (engl.: Ernte) bezeichnet. Sie sind notwendig, weil die meisten Bereiche des öffentlichen Lebens heute auch digital ihren Niederschlag finden – von der Eigendarstellung einer Kommunalverwaltung über kulturelle und sportliche Veranstaltungen bis hin zu Hilfsangeboten während der Corona-Krise. Diese Informationen sind im Vergleich zu klassischen Verwaltungsakten in Papierform sehr kurzlebig, da sie mit jeder Änderung und jedem Relaunch dauerhaft verloren gehen können. Sonderseiten für kulturelle Veranstaltungen oder sportliche Wettbewerbe sind zudem im Regelfall nur für eine befristete Dauer online und werden nach Veranstaltungsende im Regelfall wieder abgeschaltet. Diesem dauerhaften Verlust relevanter Informationen wird daher durch Spiegelungen ausgewählter Websites begegnet.

So sah die Startseite der offiziellen Schwäbisch Gmünder Homepage am 24. September 2014 aus. Die vollständige Homepage finden Sie hier.

Unter den gespiegelten und damit dauerhaft gesicherten Websites befinden sich nicht nur der Internetauftritt der Stadt Schwäbisch Gmünd und das Bürgerinformationssystem, sondern auch eigene Seiten zum Remstal-Marathon 2014 und 2015-2019 sowie natürlich auch zu den beiden großen Gartenschauen mit ihren vielfältigen kulturellen Angeboten (Landesgartenschau 2014 und Remstal-Gartenschau 2019). Auch die Corona-Krise spiegelt sich hier wieder, indem die beiden Internetseiten für Hilfsangebote der Rems-Zeitung (#gemeinsam) und der Gmünder Tagespost (#zukunftschenken) Anfang April 2020 und damit auf dem Höhepunkt des Lockdowns gesichert wurden.

Eine vollständige Übersicht über die archivierten Websites mit Bezug zu Schwäbisch Gmünd gibt’s hier.